6) Tra i film romantici da vedere, c’è Via col vento – 8.2
In Via col vento, l’amore non è mai una promessa di felicità, ma una forza corrosiva, un’ossessione che si alimenta di orgoglio, desiderio e autoinganno. Victor Fleming mette in scena uno dei rapporti sentimentali più complessi e disturbanti del cinema classico hollywoodiano, costruendo una storia in cui il sentimento non evolve verso la maturità, ma si avvita su sé stesso fino all’esaurimento. Rossella O’Hara e Rhett Butler non sono vittime di un amore impossibile. Sono complici di una relazione che esiste solo nella misura in cui entrambi rifiutano di cambiare davvero.
Rossella ama l’amore come concetto astratto, come strumento di autoaffermazione. È innamorata dell’idea di essere desiderata, di vincere, di primeggiare, più che dell’altro in quanto individuo. Il suo sentimento per Ashley Wilkes è paradigmatico. Non nasce da una reale compatibilità emotiva, ma dalla funzione simbolica che Ashley svolge, incarnando un mondo aristocratico, immobile, idealizzato, che Rossella si ostina a voler preservare. L’amore, per lei, è una forma di possesso e di conferma identitaria, non un’esperienza di apertura verso l’altro.
Rhett Butler, al contrario, è il personaggio più lucido e moderno del film. Comprende fin dall’inizio la natura tossica del loro rapporto, ne individua le dinamiche di potere, ne smaschera le illusioni. Eppure, non riesce a sottrarsene. Il suo amore per Rossella è consapevole e autodistruttivo. Rhett sa che Rossella non lo amerà mai nel modo giusto, ma accetta comunque di restare intrappolato in una relazione che lo consuma. È un amore che nasce dalla sfida, dalla provocazione, dalla volontà di piegare l’altro, più che dalla condivisione.
Il legame tra Rossella e Rhett non si trasforma mai
Ogni incontro è una battaglia di orgoglio, ogni dialogo una schermaglia verbale in cui nessuno è disposto a cedere terreno. L’amore diventa un campo di guerra privato che riflette, in scala ridotta, il conflitto più ampio che attraversa il film. Non c’è spazio per la vulnerabilità autentica: ogni gesto d’affetto è immediatamente neutralizzato dal sospetto, dalla paura di perdere il controllo, dall’incapacità di rinunciare a sé stessi.
Il contesto storico è fondamentale per comprendere la natura di questo romanticismo fallimentare. Il crollo del Vecchio Sud non è solo uno sfondo epico, ma una metafora strutturale. Così come la società aristocratica sudista è incapace di adattarsi al cambiamento, anche Rossella è incapace di rivedere la propria idea di amore. Il sentimento, come l’ordine sociale che lo circonda, è ancorato a un passato mitizzato che non può più esistere. Rhett, che intuisce questa verità prima degli altri, resta comunque imprigionato nel tentativo di salvare ciò che sa già essere perduto.
Via col vento propone, dunque, un romanticismo profondamente pessimista, in cui l’amore non ha alcuna funzione salvifica. Non redime, non educa, non guarisce. Al contrario, mette a nudo i limiti morali ed emotivi dei suoi protagonisti, smascherandone l’egoismo, l’immaturità e l’incapacità di evolvere. È un’epica dell’amore fallito, grandiosa nella forma ma amarissima nella sostanza, che ribalta l’idea classica di melodramma sentimentale e consegna al cinema uno dei suoi ritratti più spietati del desiderio umano.
5) Cantando sotto la pioggia – 8.3
Dietro l’apparente leggerezza di Cantando sotto la pioggia si cela una riflessione complessa sull’amore, l’identità e la costruzione del sé in un mondo che cambia radicalmente. Gene Kelly e Stanley Donen non realizzano solo un musical brillante. Ma creano un’opera che esplora il rapporto tra finzione e realtà, tra illusione e autenticità, e mostrano come il sentimento amoroso si modelli in questo spazio liminale. Ambientato negli anni Venti durante la transizione dal cinema muto al sonoro, il film mette in scena un contesto storico in cui l’industria del cinema stessa diventa un antagonista. Quindi, costringe i personaggi a confrontarsi con le proprie maschere e con la verità delle proprie emozioni.
Don Lockwood e Kathy Selden incarnano due figure che devono ritrovare autenticità in mezzo a un mondo di apparenze e artifici. Don, celebre attore muto, è abituato a una vita costruita sulla finzione, dove tutto è recitato, controllato e manipolato. Kathy rappresenta il raggio di verità, la capacità di vedere oltre le convenzioni sociali e professionali. Il loro percorso sentimentale è inseparabile dalla sfida di rimanere fedeli a sé stessi. Innamorarsi, significa imparare a riconoscere l’altro per ciò che realmente è, al di là della maschera, al di là del palcoscenico. L’amore diventa così una forma di resistenza etica e personale, un gesto di ribellione contro l’artificialità imposta dal mondo circostante.
Lo show utilizza un linguaggio privilegiato
Danza, corpo, ritmo e musica traducono emozioni profonde che le parole da sole non potrebbero trasmettere. La celebre scena di Don sotto la pioggia non è solo spettacolo, ma manifestazione di gioia, liberazione e riconoscimento dell’amore autentico. Un atto in cui il sentimento si rende visibile, concreto e universale. Qui, l’amore non è mera attrazione, ma affermazione di sé, liberazione dalle costrizioni esterne e incontro con la spontaneità dell’altro.
Il film esplora anche la dimensione sociale del sentimento. Pertanto, l’innamoramento non avviene in isolamento, ma in un contesto in cui le convenzioni del cinema e le gerarchie dell’industria diventano specchio delle dinamiche di potere, delle ambizioni e delle fragilità dei personaggi. Don e Kathy non possono semplicemente ignorare il mondo intorno a loro. Il loro legame si costruisce e si rafforza nel confronto con esso, rendendo la loro storia d’amore non solo romantica, ma anche profondamente contestuale, socialmente radicata e intellettualmente stimolante.
