Film da vedere: eccone 8 che svelano la magia del cinema

Riesce a essere ancora più emozionante guardare un film che omaggia direttamente il cinema. Come se fossimo dentro una matrioska narrativa, e il film ci svelasse dettagli e sensazioni che conosciamo già bene, perché li vive dall’interno. Diversi film da vedere almeno una volta nella vita hanno parlato del cinema dall’interno dello schermo, omaggiando la magia della settima arte e, al tempo stesso, riuscendo a restituire in modo diretto la natura più profonda di quella pellicola. La necessità creativa che ha permesso a quel film di arrivare sul grande schermo si manifesta nel mostrare al pubblico il cinema dentro al cinema stesso, tra dettagli tecnici, registi in crisi e spettatori che, come noi, scoprono quanto un film possa salvare gli esseri umani, soprattutto quando li incontra al momento giusto. Da Nuovo Cinema Paradiso a tanto altro: ecco 8 Film che svelano la magia del cinema dentro il cinema stesso 1) Nuovo Cinema Paradiso - Disponibile su RaiPlay Credits: Cristaldifilm La magia del cinema è stata raccontata a livello internazionale anche da straordinari registi italiani, che hanno dato vita a film capaci di fare il giro del mondo, raccontando la bellezza della settima arte. Uno dei manifesti del genere è senza dubbio Nuovo Cinema Paradiso, uno dei film italiani che hanno permesso al cinema italiano di viaggiare nel mondo attraverso una storia che è una vera e propria lettera d’amore alla settima arte. Raccontato tramite un lungo flashback, Nuovo Cinema Paradiso narra la storia di Salvatore Di Vita, un famoso regista che vive a Roma. Una giornata come tante viene stravolta da una notizia: Alfredo, il proiezionista del cinema del suo paese in Sicilia, è morto. Appreso quanto avvenuto, Salvatore, detto Totò, si ferma a ricordare la sua infanzia, soffermandosi su tutti i momenti trascorsi con Alfredo, colui che non soltanto gli diede la possibilità di scoprire le nozioni tecniche legate al proiettore, ma gli insegnò anche a vivere la vita attraverso il cinema. Delle sedie rosse, un grande schermo e un proiettore possono diventare tutto, e questo è ciò che rappresentarono per Alfredo, per Totò e per un paesino della Sicilia che, in quella sala, si incontrava, rideva e immaginava mondi lontani. Il tutto sotto lo sguardo di un Totò che cresce, diventando il nuovo proiezionista del cinema prima di decidere di partire per diventare il regista che è oggi. Una lettera d’amore, firmata da Tornatore, racconta così il ruolo salvifico del cinema e la sua capacità di unire gli esseri umani. Attraverso la macchina da presa, Totò crescerà e scoprirà il mondo, ma sempre tenendo ben stretti i ricordi di chi lo ha aiutato a esplorarlo. 2) C'era una Volta a..Hollywood - Disponibile su Netflix Credits: Columbia Pictures Una delle lettere d’amore più intense dedicate al cinema l’ha scritta Tarantino. Tra armi e vendette, il buon Quentin ha dato vita a un film ucronico che racconta la settima arte sotto più prospettive, riuscendo anche a salvare simbolicamente Sharon Tate. Un omaggio appassionato, dichiarato già nel titolo, dove il “C’era una Volta” richiama i grandi capolavori di Sergio Leone come C’era una volta il West e C’era una volta in America. Con tre figure radicalmente diverse tra loro, Tarantino racconta tre storie distinte che esplorano altrettanti aspetti dell’industria cinematografica: Rick Dalton rappresenta il vecchio cinema, il suo stuntman Cliff Booth incarna una personalità fuori dal tempo, spavalda e libera, mentre Sharon Tate è la luce del futuro e del nuovo cinema. Ed è proprio su questo personaggio, interpretato da una Margot Robbie in stato di grazia, che Tarantino compie il miracolo, restituendo al film un potere quasi salvifico, proprio come il cinema stesso. Nella realtà, Sharon Tate non ha mai avuto una seconda possibilità. Ma in questo film Tarantino ha deciso di concedergliela, utilizzando questa nuova occasione per salvare il cinema classico, correggere la Storia e offrire una nuova opportunità. Per questo motivo, Margot Robbie rappresenta il cuore non solo del film ma anche dell’intera filmografia di Tarantino che, attraverso il personaggio di Sharon Tate, ha dato vita a un vero e proprio miracolo cinematografico, ricordando e salvando un’attrice che aveva ancora tanto da offrire alla recitazione. 3) Licorice Pizza - Disponibile su MGM+ Credits: Metro-Goldwyn-Mayer Paul Thomas Anderson sa essere molte cose. Disilluso come ne Il Petroliere, sarcasticamente drammatico come nel recente Una Battaglia Dopo L’altra, e dolce come in Licorice Pizza. Nel 2021 il regista è infatti arrivato al cinema per raccontare la storia della Hollywood degli anni ’70, un periodo di grande fermento creativo per il cinema americano che qui viene raccontato in modo profondamente umano e realistico. La Hollywood raccontata da Paul Thomas Anderson non viene idealizzata, ma ritratta in modo grottesco, caotico e opportunista. Al tempo stesso, però, è piena di possibilità. Attraverso questa ricostruzione più scanzonata, Anderson scrive una lettera d’amore a un’epoca in cui il cinema era più istintivo e sperimentale, lontano da ricette preconfezionate e da ingredienti che rendono molti film simili tra loro. Il tutto viene raccontato attraverso gli occhi di ragazzi che hanno ancora una storia da scrivere e degli obiettivi da raggiungere. Gary Valentine ha 15 anni ed è un imprenditore precoce, mentre lei è Alana Kane, ha 25 anni e tutti i dubbi del mondo. Il loro legame nasce per caso: è turbolento, necessario, stimolante. Li ispira e li allontana, ma poi li avvicina ancora. Sono diversi, ma il bene è evidente. Insieme vivranno nella Hollywood degli anni ’70, conoscendo personaggi eccentrici e grotteschi che rappresentano un periodo che non tornerà mai più e che Anderson ha riportato sullo schermo, cristallizzandolo e fermando, per un attimo, il tempo. 4) 8 1/2 - Disponibile su Mediaset Infinity Credits: Cineriz Non poteva che essere qui anche lui, Federico Fellini. Il mito, l’uomo, la mano e gli occhi che hanno creato il capolavoro rivoluzionario di 8 1/2, uno dei primi film ad aver scritto la storia riuscendo ad affrontare il tema del cinema e dell’uomo sotto una luce completamente nuova per l’epoca. A un mondo che si oppone con forza alla crisi esistenziale, raccontando una perfezione inesistente, Fellini risponde con Guido Anselmi, il protagonista di 8 1/2. Un uomo in crisi, perso in se stesso, che non riesce a realizzare il suo nuovo film perché profondamente bloccato. Attraverso la sua storia e la sua crisi tanto lavorativa quanto personale, Fellini esplora il cinema sotto una nuova prospettiva. La settima arte si guarda qui allo specchio, mostrando la pressione del dover dire qualcosa quando non si ha nulla da dire, se non una destabilizzante tristezza. Attraverso questo racconto, Fellini lascia che a parlare sia il cinema, perché solo quest’ultimo può davvero raccontare la crisi creativa e umana vissuta da Guido. Per questo motivo la settima arte viene qui restituita nella sua essenza più autentica: non deve essere perfetta o razionale, ma sincera e vitale. Il cinema diventa così un atto di confessione, un mezzo attraverso il quale esplorare il proprio malessere: la sofferenza, spiega Fellini nel 1963, non deve essere allontanata ma vissuta appieno, senza scorciatoie. Il cinema può curare ciò che la realtà ha disintegrato, e 8 1/2 lo ricorda con una storia entrata di diritto tra i più grandi capolavori del secolo. 5) The Fabelmans - Disponibile su Prime Video Credits: Universal Pictures E a proposito di lettere d’amore per il cinema, è impossibile non menzionare l’omaggio che Steven Spielberg ha realizzato con The Fabelmans, film liberamente ispirato alla sua vita. Al centro della storia troviamo infatti il suo alter ego Sammy Fabelman, un aspirante regista che scopre il cinema da bambino. Fin dal primo istante, Spielberg mostra la settima arte come strumento di meraviglia e formazione: attraverso il cinema Sammy cresce, impara a stupirsi, sogna e riscopre il mondo grazie alla macchina da presa. Il dolore non può essere allontanato, ma può essere affrontato attraverso un obiettivo e la consolazione che, qualsiasi cosa accada, i film resteranno sempre: il cinema non salva il mondo, ma aiuta a sopravvivere al suo peso. Inizialmente Sammy è solo un sognatore, un regista amatoriale che impara sbagliando. La pellicola non si concentra sul cinema vissuto da chi lo fa, ma da chi desidera farne parte e lavora ogni giorno per riuscirci. Attraverso questo percorso, Spielberg si lascia andare anche a un racconto più intimo e personale, legato al rapporto con i suoi genitori, in particolare con la madre. Lei, spirito libero della famiglia, incoraggia il protagonista a diventare un regista e a inseguire il proprio sogno, accettando la frustrazione di doverlo lasciare andare. Un omaggio al cinema diretto da un autore che ha scritto la storia con opere capaci di farci sognare, viaggiare e scoprire mondi lontani. Tutto questo viene ricondotto in The Fabelmans a una dimensione più privata e intima: una lunga lettera al cinema, in cui compare, per una breve ma memorabile scena, anche il Maestro David Lynch. 6) Empire of Light - Disponibile su Disney+ Credits: Searchlight Pictures Dall’omaggio di Steven Spielberg passiamo ora a quello di Sam Mendes, che racconta il cinema dal punto di vista dello spettatore, mostrando quanto un film possa davvero salvare. Questa volta nessun aspirante regista, nessuna persona che faccia parte dell’industria. O quasi. Perché la storia è tutta di Hilary, una donna insoddisfatta, frustrata e sola, che lavora come direttrice di sala all’Empire Cinema della sua città. Una vita apparentemente normale, ma segnata da un dolore costante che le impedisce persino di rendersi conto del luogo in cui lavora. Hilary, infatti, non ha mai guardato un film in sala, non si è mai seduta su una poltrona per vivere la magia di una storia che prende forma davanti ai suoi occhi. In quello stesso luogo di lavoro, Hilary conosce Stephen. Anche lui, per ragioni diverse, vive una vita infelice. Ma insieme si stringono in un abbraccio dal valore salvifico. Si ritrovano e si perdono, tutto sotto lo sguardo silenzioso dell’Empire. Tra le lacrime, Hilary arriva alla fine del percorso con il dolore di chi ha vissuto tutto fino in fondo. Ed è a quel punto che accade la magia: decide di guardare un film al cinema per la prima volta, entrare in quella sala e riscoprirne la bellezza. Ed è impossibile guardare questa pellicola senza sentirsi trasportati nella stessa sala in cui Hilary, alla fine, guarda per la prima volta un film. Se il cinema è ciò in cui credi di più, quella sequenza diventerà per te uno specchio, il riflesso di ciò che senti e di ciò che sei quando inizi a guardare un film, qualunque esso sia. E se non lo è, ti svelerà – come ha fatto con Hilary – la sua magia per la prima volta, permettendoti di assaporarne la meraviglia. Disponibile su Disney+. 7) È stata la mano di Dio - Disponibile su Netflix Credits: The Apartment Un omaggio. O forse una riconciliazione avvenuta dopo anni. Il ricordo dolce di ciò che ha acceso una speranza quando tutto sembrava spento. Questo è, in sintesi, È stata la mano di Dio, la pellicola diretta da Paolo Sorrentino in cui il regista racconta liberamente la storia della sua vita. Dalla perdita dei suoi genitori fino al viaggio di sola andata verso Roma, È stata la mano di Dio ricostruisce gli anni più importanti di Fabietto, alter ego di Paolo Sorrentino, che passa le giornate guardando C’era una volta in America e sognando di diventare regista. A spingerlo lungo questo percorso è una frase sentita da Federico Fellini durante un provino: Il cinema non serve a niente, però ti distrae dalla realtà: la realtà è scadente. Una frase che diventa presto un simbolo, il manifesto di un film in cui sognare il cinema si trasforma in un modo per sopravvivere a una realtà scadente, fatta di solitudine e frustrazione perenne. I genitori di Fabietto sono morti insieme, e da questo momento il percorso dovrà affrontarlo da solo. C’è una sola promessa per il protagonista, ed è il cinema. Non sa perché, non sa neppure come farlo né da dove partire. Non sa se Napoli sia una promessa o una trappola. Sa solo che è il punto di partenza: trasformare quel dolore in uno sguardo sul mondo e guardare al futuro con la speranza di potercela fare. Con questa pellicola, Sorrentino fa pace con il suo passato osservandolo dall’esterno, scoprendo, da dietro una macchina da presa che cosa sia davvero il cinema. 8) Effetto Notte Credits: Les Films Du Carrosse Concludiamo con Effetto Notte, l’ultimo film di questa lista che ci accompagna alla riscoperta del cinema dentro il cinema stesso. Diretto da François Truffaut, Effetto Notte ci conduce in uno studio cinematografico nel sud della Francia, dove il regista Ferrand cerca di portare a termine le riprese del suo film tra imprevisti e tensioni. Il cuore della pellicola non è infatti il film che stanno girando, ma ciò che accade durante le riprese: attori emotivamente instabili, difficoltà tecniche e produttive, e la morte improvvisa di un attore. Ogni evento minaccia il destino della pellicola e diventa un ostacolo per il regista, che per gran parte del tempo sembra incapace di portare a termine il lavoro. Le difficoltà sono enormi e profondamente legate alla realtà del fare cinema, ma Ferrand riesce sempre a trovare un modo per avanzare, facendo dieci passi avanti dopo averne fatti tre indietro, fino a trovare la chiave per concludere il film nonostante tutto. Attraverso questa narrazione, Effetto Notte racconta un’altra faccia del cinema, mostrando quella più quotidiana e burocratica, talvolta persino noiosa. Ma è proprio questo aspetto a diventare centrale, raccontando come il cinema riesca a resistere grazie alla dedizione di chi lo fa, anche quando tutto esplode nel caos e ogni cosa sembra impossibile. Un messaggio ancora attuale, che insegna a non mollare e a resistere, perché il cinema, in un modo o nell’altro, ce la farà sempre. E a proposito di cinema, noi vi lasciamo con 7 Film così assurdi che non crederai siano tratti da una storia vera

8 Film che svelano la magia del cinema dentro il cinema stesso

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